Collaboration

Dans la culture populaire, le processus créatif est souvent dépeint comme un effort solitaire. Admettons-le : l’image d’un génie désespéré, incompris de tous, produisant un chef-d’œuvre à force de larmes et de sueur nous offre un potentiel narratif sans équivalent. Mais cette image ne pourrait être plus éloignée de la réalité.Harrison C. White et Cynthia A. White, « Canvases and Careers », New York: John Wiley and Sons, 1965. Pour paraphraser l’argument avancé par Becker dans Art Worlds, les métiers de designer, photographe ou médiateur – qu’on ne devrait en réalité pas envisager différemment d’autres professions – dépendent de réseaux étendus pour créer le genre de travail pour lequel le monde des arts appliqués est reconnu.Howard S. Becker, « Art Worlds », Berkeley: University of California Press, 1982. Qu’il s’agisse de partager un savoir, produire des travaux, distribuer le résultat de l’effort ou permettre à une audience de l’évaluer, la coopération est d’une importance capitale pour la création.

Les Prix suisses de design jouent un rôle considérable dans ce réseau. Ils le font depuis plus d’un siècle, prenant part au monde des arts appliqués en l’encourageant par des soutiens financiers, par la promotion de designers et l’octroi de mandats. En ce qui concerne les nominé·e·s, d’autres synergies prennent place plus tôt dans le processus. L’avantage fondamental de la collaboration, c’est qu’elle permet de connecter différentes compétences pour créer des projets qui vont plus loin que ce qu’une personne seule pourrait accomplir. Ces partenariats prennent place à différents niveaux : d’abord au sein de l’atelier, puis dans la coopération externe avec des partenaires, fournisseurs et clients. Quel impact ont ces associations sur le processus créatif des nominé·e·s cette année ? Comment s’organisent-elles et ils pour combiner leurs efforts avec d’autres, et quelles sont les différentes qualités de la collaboration ?

Sous son apparence la plus simple, la collaboration est interne. Elle prend place entre des designers au sein d’une même sphère d’activité. On pourrait la schématiser par des lignes parallèles : les designers combinent des compétences similaires et souvent complémentaires. Les designers de produit Micael Filipe et Romain Viricel, qui se sont rencontrés à l’ECAL, ont choisi d’avoir des rôles égaux dans le processus de création. Les deux possèdent des aptitudes similaires. En conséquence, les spécificités que chacun apporte à l’entreprise sont leurs regards, leurs goûts et leurs expériences individuelles. Aujourd’hui, Filipe habite à Londres et Viricel, à Lyon. Ils présentent cette année la Midi Chair, une pièce qu’ils ont développée au long d’une année de conversations presque quotidiennes. Et comment partagent-ils leurs idées ? Leur support de choix est le dessin, un moyen infaillible qu’ils mettent au goût du jour. « Le dessin ou la 3D sont d’excellents supports pour poser une idée. Un bon dessin n’a pas forcément besoin d’une légende. Régulièrement, nous nous rejoignons à Londres ou à Lyon. Cette rencontre est le moment lors duquel nos recherches se matérialisent par une maquette. »

Le Studio Ard (formé par les designers graphiques Guillaume Chuard et Daniel Nørregaard) utilise un processus collaboratif organique qui repose lui aussi sur du matériel visuel : un tableau d’affichage géant qui sert de réceptacle pour les idées au fur et à mesure qu’elles s’ébauchent. Au lieu de de prendre des décisions, ils comptent sur un processus informel où chacun stimule l’autre à l’aide de références et de tests. A un certain moment, l’un des deux prend naturellement la responsabilité d’un projet donné. Le duo, qui a fait connaissance au Royal College of Art à Londres après des études à l’ECAL et à la Gerrit Rietveld Academie, voit sa pratique au centre d’un triangle défini par la rationalité suisse, le radicalisme néerlandais et la pop anglaise. A cette panoplie d’influences s’ajoutent leurs propres préférences : Chuard est passionné par la matérialité tandis que Nørregaard est fasciné par le texte. Quand il s’agit de choisir la musique dans le studio, chacun a également ses goûts – mais Nørregaard a le dernier mot, puisqu’il arrive souvent avant Chuard le matin. La vraie difficulté, quand on travaille ensemble de manière si rapprochée commence à midi. Chuard ne peut pas manger de gluten, tandis que Nørregaard est un végétarien intolérant au lactose, ce qui rend le choix du déjeuner la décision la plus difficile de la journée.

Mais d’autres designers n’ont jamais l’occasion de rompre le pain ensemble : ils collaborent à partir d’endroits différents et dépendent donc d’autres systèmes pour partager leurs idées. Au début, les designers graphiques No Plans (Daniel Pianetti à New York et Daniel Baer à Londres) ont tenté de diviser leurs mandats de web design, l’un s’occupant du design et l’autre du code. Ils ont toutefois rapidement compris qu’ils travaillent mieux quand chacun prend la direction d’un projet à son tour, l’autre personne jouant régulièrement le rôle de critique. « Nous avons des personnalités et des styles étonnamment différents. Nous comprenons et respectons l’approche de l’autre en ce qui concerne le design visuel et d’interfaces. Chose intéressante, on ne pourrait jamais répliquer ce que l’autre moitié fait. » Avec un designer à New York et l’autre à Londres, la collaboration prend place sur plusieurs plateformes digitales (Trello, Appear.in, Slack, GitHub et Google Suite parmi d’autres) pour permettre de rester en contact constant.

Mais il y a une autre plateforme, moins commerciale, qui joue un rôle considérable pour No Plans. Daniel Pianetti est l’un des membres fondateurs de Are.na, un outil collaboratif qui permet d’organiser des références de manière visuelle. Pour le duo, la plateforme n’est pas qu’un moyen de partager des idées à l’interne. « Are.na joue un rôle particulier dans nos projets à cause de sa communauté. Au fur et à mesure que nous collaborons avec d’autres designers, développeurs et clients, ces connections deviennent elle-même des ressources. Il n’est pas rare, des mois plus tard, de choisir la contribution d’un collaborateur pour un projet sans aucun rapport, de s’informer auprès d’un ancien client sur un événement qu’ils sont en train d’organiser à l’aide de références sur la plateforme, ou de se renseigner voire d’être consultés pour des services après avoir plongé dans la recherche de quelqu’un d’autre. » En créant leur propre outil collaboratif, les designers rassemblent des communautés en et hors ligne. Par ailleurs, ils ont accès à des partenariats flexibles. Cela contribue à redéfinir l’idée même du collectif.

Les créateurs de mode Collective Swallow (Anaïs Marti et Ugo Pecoraio, qui se sont rencontrés à la FNHW Bâle) sont aussi basés dans deux villes différentes, Bâle et Berlin. La première moitié de leur nom est clin d’œil au fait que la création d’une collection est toujours un effort conjoint. « Il y a tellement plus de personnes qui sont impliquées que juste nous deux, et nous aimons collaborer avec d’autres designers ou artistes sur des produits spécifiques. » Au sein du collectif, chaque membre joue un rôle spécifique qui a évolué avec le temps et provient de leur éducation, mais reflète aussi les dynamiques du groupe. Marti a une formation de tailleur et de l’expérience comme designer de mode commerciale. Elle est donc responsable du développement de la collection, de la création des pièces et de la gestion de la production.

D’un autre côté, Pecoraio a de l’expérience dans le monde des relations publiques. Grâce à sa formation en design graphique, il supervise imprimés, lookbooks et étiquettes. « Nous avons chacun nos domaines de compétence, mais une collaboration rapprochée est très importante. Au début de chaque collection, nous faisons les deux des recherches et collectionnons des références que nous sélectionnons et structurons ensuite. Nous nous rencontrons pendant un weekend dans une maison dans le Jura pour discuter et former la nouvelle collection. A ce moment-là, nous créons le moodboard et finalisons le concept qui dirige ensuite toutes les actions qui formeront la collection. » Après ce processus, Marti prend les devants : elle dessine puis développe les pièces. Au fil du chemin, un équilibre délicat s’établit entre décisions partagées et l’expertise de chacun, une balance nourrie par leur relation. En effet, Collective Swallow souligne que leur collaboration provient avant tout de leur amitié : « nous étions d’abord amis, et avons décidé ensuite de construire une marque ensemble. »

Dans certains exemples de travail d’équipe, les nominé·e·s se regroupent pour des projets qui prennent place en-dehors de leur champ habituel. Dans ces cas, la collaboration crée des bissectrices perpendiculaires. Denis Roueche, qui a une formation de designer graphique, et Prune Simon-Vermot, qui a étudié la photographie, ont joint leurs forces pour ouvrir Palais—Galerie. Assez naturellement, chacun apporte ses compétences : Roueche conçoit les posters tandis que Vermot documente les expositions. Mais le travail principal d’une galerie – la curation, une pratique qui se situe au-delà de leur formation originelle – est partagé par les deux de manière équivalente. Le travail d’équipe rend le rêve possible.

Un autre exemple serait le travail d’Agathe Zaerpour et Philippine Chaumont. Elles ont étudié le design graphique ensemble à l’ECAL et, une fois leur diplôme en poche, ont travaillé de plus en plus en tant que directrices artistiques. Jusque-là, rien d’inhabituel dans ce type de trajectoire. Cette année, cependant, elles présentent leur travail dans la catégorie photographie avec des projets qui vont du travail documentaire à l’auto-initié, en passant par l’éditorial. Leur travail reflète les aptitudes qu’elles possèdent tant dans le champ du design que dans celui de la photographie. En travaillant ensemble, elles sont dans une position qui leur permet de développer un discours photographique qui est fermement le leur. Il fait non seulement démonstration d’une approche graphique – tant dans la composition des images que dans leur présentation en séquences rythmées – mais communique également leur voix personnelle : une excentricité troublante et assumée qui s’exprime aussi bien dans les sujets qu’elles choisissent que dans le traitement de leurs images.

Quand les nominé·e·s travaillent main dans la main avec leurs clients, le partenariat devient un espace où les projets peuvent se développer grâce à la convergence entre les besoins et les désirs de chaque côté. On pourrait représenter cette situation par l’intersection de différents plans. Plus encore, la collaboration peut permettre à des pratiques d’exister dans l’espace liminal entre différents domaines. Par exemple, le photographe Marc Asekhame publie également un magazine Periodico, qu’il édite en collaboration avec le designer graphique Teo Schifferli. Quand il travaille sur Periodico, Asekhame est donc à la fois photographe, rédacteur, éditeur et agent.

Asekhame estompe encore plus la distinction entre ces champs lorsqu’il photographie des publicités personnalisées en collaboration avec les annonceurs du magazine. Ce faisant, il bénéficie triplement du partenariat : ce dernier lui apporte un soutien financier, lui permet de travailler en tant que photographe et lui donne un contrôle créatif complet sur le magazine. Asekhame explique qu’il voit les publicités dans Periodico « comme une partie intégrale du contenu du magazine. Elles deviennent une collaboration entre une institution ou une marque et la publication. » Mais le magazine pourrait bien avoir le dessus dans ce partenariat, grâce aux conditions qu’il pose. « Pour les deux derniers numéros, nous avons permis à l’annonceur de choisir une personne qui serait ensuite photographiée par nous et, après ajout d’un logo, deviendrait la publicité. » La stratégie a été un succès et a même l’air de convaincre de nouveaux clients. « Jusqu’ici, on a surtout travaillé avec des personnes qui connaissaient soit le magazine soit mon travail, mais à présent on nous approche pour collaborer sur une pub dans Periodico. » Pour une marque ou une institution, la commande d’une publicité devient donc une manière d’emprunter la voix du magazine et de se présenter comme de vrais partenaires d’une entreprise culturelle.

Egalement photographe, Virginie Rebetez présente un travail qu’elle a développé dans le cadre de l’Enquête photographique fribourgeoise. La commande est un appel à projet bisannuel ouvert aux photographes professionnel·le·s qui vise à soutenir le domaine à travers la sélection d’un projet dont le thème concerne le canton. C’est un format inhabituel dans le sens où une fois leur projet accepté, les photographes travaillent en liberté quasiment totale sur une période de deux ans. Rebetez a choisi de raconter l’histoire de Claude Bergier, qui fut accusé de sorcellerie et brûlé vif en 1628, à travers une collaboration avec des médiums. Elle a travaillé de manière très proche avec ces derniers sur plusieurs rendez-vous et leur a demandé d’entrer en contact avec Bergier. Pour transmettre l’histoire de ce dernier, le livre et l’exposition qui forment le résultat de l’enquête mélangent deux voix : la photographie de Rebetez et les transcriptions des séances de cette dernière avec les médiums. Dans la publication, c’est comme si elle faisait se rejoindre les différents acteurs de l’histoire autour d’une même table. Le livre est donc comme un vaisseau qui rassemble toutes ces voix dans une alchimie subtile. L’objet est le résultat d’une collaboration méticuleuse avec la maison d’édition Meta/Books et le designer du livre, Chi-Long Trieu. La triade (photographe, éditeur et designer) devient tétrade quand le collaborateur final – le public – s’assied à cette table. Le rôle actif joué par l’audience est en effet nécessaire pour recomposer le puzzle et réinterpréter l’histoire de Bergier.

Le travail des designers graphiques Simon Palmieri et Régis Tosetti permet de mieux saisir un autre type de collaboration avec le client. La relation très proche qu’ils ont développée en 10 ans avec le designer de mode Christopher Ræburn sur une période de dix ans leur a permis de transformer un simple mandat en un partenariat extraordinaire. Le duo a commencé par dessiner le logo de la marque avant de développer un éventail complet de matériel de communication. Dès que la confiance fut établie, la collaboration s’est épanouie de manière à se matérialiser entre les besoins et les désirs de chacun des côtés. Le rôle de Palmieri et Tosetti s’étend aujourd’hui bien au-delà du mandat habituel du design graphique : ils conçoivent des imprimés pour les habits, des scénographies pour les défilés et des univers sonores pour les campagnes. Grâce à cette relation de longue durée, le duo travaille en symbiose complète avec le client, qui bénéficie de la collaboration tout autant que les designers.

Le scénographe Daniel Zamarbide (qui travaille sous le nom de BUREAU) va encore plus loin dans ses relations professionnelles. Il rejette la notion de client, préférant éviter le mot « puisque la relation client-service implique un rapport commercial qui force l’un à se plier aux attentes de l’autre, tant qu’il y a un échange monétaire. » Au lieu de ce rapport, il préfère une dynamique collaborative dans son travail. Réfléchissant à ses influences, Zamarbide cite, comme base théorique, le travail du sociologue Richard Sennett, notamment The Craftsman (2008) et Together (2012)Ces ouvrages ont été traduits en français sous les titres “Ce que sait la main”, 2010, et “Ensemble”, 2013.. Dans le premier, Sennett avance que nous avons un désir inné de faire un travail artisanal de qualité ; dans le deuxième, il argumente que nous avons besoin de le faire en coopération. Ces idées trouvent un écho en Zamarbide, qui a toujours cherché la collaboration avec d’autres, dont il confronte le travail à son propre agenda créatif.

Nominée dans la catégorie médiation, la platforme depatriarchise design (actuellement cogérée par Maya Ober et Anja Neidhardt) dépend fondamentalement du travail avec l’autre. Le projet utilise une approche intersectionnelle du féminisme et collabore ainsi avec un large éventail d’intéressé·e·s afin de construire un discours à partir d’une conception politique commune. Mais plutôt que de se voir comme des facilitatrices de l’émancipation, les cogérantes mettent en avant la plateforme comme le moyen de mobiliser chaque lectrice/lecteur comme une collaboratrice potentielle/un collaborateur potentiel dans la résistance contre le patriarcat. Pour depatriarchise design, « la collaboration se base sur une base commune et sur la générosité ; elle offre de l’espoir. » La résistance collective vise à être transparente et non-hiérarchique, et les organisatrices saisissent donc cette opportunité pour saluer les collaboratrices de la plateforme.

Les photographes Yann Gross et Arguiñe Escandon s’appuient sur une collaboration délicate avec l’« autre », tout en évitant l’altérité. Leur projet Aya a été développé sur une période de deux ans et retrace le parcours de Charles Kroehle, un photographe qui prit les premières images de l’Amazonie péruvienne, entre 1888 et 1892. Travaillant prudemment afin d’éviter l’appropriation culturelle – Kroehle était un aventurier colonial archétypal, et ses images font preuve d’un exotisme exacerbé – Escandon et Gross s’efforcent d’effacer la distance créée par l’observation, une mission qu’ils reconnaissent d’avance comme impossible. Pour éviter d’utiliser la photographie comme un instrument colonial de représentation, ils deviennent eux-mêmes sujets de leur projet. La première étape fut de « dé-focaliser » leur regard en passant du temps dans la jungle, se nourrissant de plantes et observant la relation que les communautés indigènes ont avec leur environnement. Les photographes ont ensuite traduit leurs observations en images. Escandon a une approche émotionnelle, tandis que Gross est méthodique ; ces aspects complémentaires de leur collaboration les ont aidés à interagir différemment avec chaque sujet et de construire une représentation plus complexe de leurs expériences.

Les instances de collaboration abondent. Que ce soit à travers le travail d’équipe, le partenariat ou l’alliance, le design dépend considérablement sur l’autre pour produire des travaux qui soient plus accomplis ou plus complexes qu’ils n’auraient pu l’être s’ils avaient été réalisés par un seul créateur. Le processus même varie au cas par cas, puisque les designers ont des méthodes de travail distinctes. La collaboration est donc différente à chaque occasion. Puisque le processus fusionne les intérêts des designers avec ceux de leurs partenaires, il laisse souvent une trace durable. Par ailleurs, peut-être de concert avec notre présence constante sur les médias sociaux, la notion de collaboration avec une audience est plus pertinente que jamais. Tous ces aspects fondent notre aspiration à faire équipe avec d’autres.

La collaboration professionnelle a toujours été présente, mais certains aspects sont propres à notre époque. Il est clair que la profusion d’outils digitaux facilite des partenariats fluides et nomades qui se forment et disparaissent au fur et à mesure des besoins. L’image mentale du réseau devrait donc refléter une relation protéiforme, fluctuante et temporaire. Elle relie les subcultures, les croyances et l’appréciation pour autrui – plutôt que, comme on pourrait traditionnellement l’imaginer, des clubs fermés de vieux copains, des contrats ou des échanges prédéterminés. Récemment, lors d’une conférence à Berne, Emily King a fait part d’une information fascinante qu’elle a découverte lorsqu’elle travaillait sur un article.Emily King, “Curating and Writing Beyond Academia”, conférence à l’université de Berne, Berne, 4 Avril 2019; Emily King, “Leila McAlister”, in: “The Gentlewoman” 6, 2012. Il semblerait que les fromagers ne peuvent pas garder jalousement les cultures qui leur sont nécessaires à la fabrication du fromage. Sur le long terme, les bactéries s’affaiblissent, et il est donc nécessaire de collaborer avec d’autres fromageries en mélangeant ces ferments. Cette métaphore un peu cheesy est d’une certaine manière applicable au monde du design. Si nous voulons construire une pratique durable qui nous nourrisse, nous devons soutenir le potentiel du partage, qui concerne le « et » plutôt que le « ou ». Ce sujet semble être particulièrement pertinent cette année, où nous constatons un grand nombre de projets qui démontrent un engagement social à travers des thèmes et des propositions pour des problèmes réels : le genre, l’identité, la race et les dynamiques du pouvoir. Cela confirme l’importance de s’impliquer avec l’autre : c’est seulement en cherchant la différence dans la collaboration que nous pourrons faire notre travail de manière optimale – et atteindre un monde meilleur.

Jonas Berthod est un designer graphique, chercheur et écrivain basé à Londres. Doctorant en histoire du design graphique, il enseigne également à l'ECAL et au Royal College of Art. Son travail, entre pratique et théorie, couvre une série de sujets liés au design.