Designing Realities

Dans l’attente de l’exposition des Swiss Design Awards 2019, je propose de cheminer parmi les participants avec, en tête, la question des réalités produites par leurs recherches et produits. De mon point de vue d’artiste, je suis attiré par la façon dont le design ne répond pas seulement à des problèmes en offrant des solutions innovatrices et originales mais produit une réalité en devenir, encore à atteindre et dont l’objet produit va engager la réalisation. On pourrait parler alors de Storytelling ; le designer « raconte » comment on peut résoudre un problème. Mais il y a peut-être une dimension encore plus articulée au réel. Je la conçois comme une forme de réalisme spéculatif,Terme que je ne vais pas plus expliquer ici, bien qu'il résonne avec une réflexion qui a récemment ébranlé le discours dans le monde de l'art contemporain. J'entends par réalisme spéculatif assez simplement une manière de faire levier sur une réalité par le truchement d'un outil, d'un instrument, d'une interface qui engage une modification du rapport au réel. essentiellement une capacité réelle et contingente de transformation, embrassant la thèse que les choses ne doivent pas être comme elle sont.

J’aimerais donc relever une série de projets où je peux distinguer une approche quant à ces réalités à venir. Il me semble que cela est pertinent et à relever aujourd’hui, dans la mesure où la question du futur produit plutôt de l’inquiétude. Loin d’être une source d’inspiration, comme pendant les Trente glorieuses, le futur est aujourd’hui, au mieux, ce que l’on ne peut pas connaître et, au pire, le mur de l’apocalypse. On dirait que nous sommes pauvres en futur. Or je pense que, de manière très dispersée, il y a des futurs de partout. Et il faut nous exercer à voir une multiplicité de futurs. Quels sont donc ces futurs que je vois nichés dans l’étendue des pratiques du design, des présents en devenir que ces designers mettent en forme vers le réel ?

Ainsi, les coupes et les plans des fontaines Drinking Hydrant de Dimitri Nassisi, autant que les quelques photos les montrant en usage, nous laissent présager une implémentation imminente. Au fond, le projet lance une demande, un défi, d’ordre politique : l’accès à l’eau potable, gratuitement et en tout temps, pour tous les usagers de la ville – humains et animaux. L’accès à l’eau potable gratuite en zone métropolitaine n’est effectivement pas un droit garanti. Zürich a dans ce sens un projet historiquement situé ; la mairie de Paris a racheté son réseau d’eau en 2008 ; Rome a ses célèbres Fontanella ou « Nasone ». Or, tous ces réseaux sont le résultat de décisions politiques, profondément ancrées dans l’histoire de la ville. Dans ce sens, le travail de Dimitri apparaît comme un encouragement, un appel, un accélérateur d’un droit qui devrait être aussi évident que le sont ses images. Si, de prime abord, le projet Abri+ d’Iskander Guetta présente également une réponse fonctionnaliste à un problème socio-politique, une dimension étrange – même gênante, émane de ses images : en répondant par les moyens du design industriel, sans jugement et du mieux qu’il peut, Guetta pousse à l’absurde l’argument que l’industrie standardisée peut répondre, dans l’urgence de la catastrophe, au besoin de chacun de créer son habitat. Il apparaît bientôt évident que l’accueil de personnes déplacées ne peut être pensé qu’en termes fonctionnalistes. En fin de compte, ce qui m’intrigue le plus dans ce projet est une petite pièce, un connecteur, semblable à un bourgeon, qui permet au nouveau système de s’implanter et de se développer quasi organiquement sur la structure porteuse. La structure, la tradition des abris antiatomiques suisses, devient porteuse d’une nouvelle histoire, d’une nouvelle forme d’accueil qui prend en compte la dignité des personnes.

Les artefacts culturels, surtout les formes dites « mineures » – au sens où les entend Walter Benjamin – , capturent leur époque et en portent l’empreinte. Collectionneur de jouets et de cartes postales, Benjamin y traque les rêves d’avenir, comme un chiffonnier dans les restes de l’histoire. Les polices d’écriture se prêtent bien à cette exploration et, quand Mateo Broillet cherche l’esprit de la science-fiction dans celles-ci, il observe aussi les glissements« Il est également intéressant de voir que cette esthétique est appropriée par des exemples concrets, comme l’identité visuelle du corps national de police espagnol, également inspiré par cet imaginaire de la science-fiction. » Mateo Broillet d’un registre à un autre, ouvrant la voie à d’étranges confusions. Tandis que des polices d’écriture peuvent devenir les porteurs explicites de l’histoire, comme dans le projet Typefaces for women against Hitler, Broillet pointe discrètement, avec la police d’écriture variable de titrage Preciado (« précieux » en espagnol), sur les question d’accessibilité et de volatilité des valeurs sur internet. Avec Voicewriter, Sylvan Lanz explore une autre voie pour la mise en forme de l’expression, descendant à l’échelle du singulier. Prenant en compte les développements informatiques, Lanz cherche à capturer la modulation de la voix. Il ne s’agit pas d’identifier la personne, mais de rendre, de transporter, ce qu’elle exprime sans le dire – de montrer comment la voix devient lettre. A l’aune du développement massif des moyens d’identification, ce déplacement me semble particulièrement important à relever, en tant que ce qui est à noter n’est pas l’identité d’une voix, mais comment cette voix dit quelque chose et l’affect qui est à l’oeuvre dans la voix.

La photographie, technologie omniprésente et archiaccessible, devient le moyen idéal pour des communautés pour inventer et réfléchir à leurs représentations. C’est là où se situe le travail de Solène Gün :« Il était très important pour moi de m’introduire dans leur quotidien afin de le restranscrire en image et d’apporter une vision immersive du sujet qui permet ainsi de sortir des stéréotypes que nous pouvons avoir sur l’immigration. » Solène Gün esquisser des modèles, dans lesquels les jeunes gens se sentent valorisés, peuvent choisir leurs positions et se projeter dans un avenir désirable, contre des clichés et des modèles abstraits et violents produit par les médias commerciaux, comme par exemple Suburra ou Dogs of Berlin.Deux séries produite par Netflix, géant occidental de la vidéo sur demande. A l’autre bout de l’arc des approches photographiques enquêtant sur les réalités en cours, Virginie Rebetez investit le genre de « l’enquête photographique », auquel est attachée une valeur de vérité et d’objectivité : un témoignage d’une époque en cours, à l’adresse du futur, une archive. Et, précisément là, introduire ce qui est ignoré, écarté. Peut-être qu’il s’agit de donner une forme au refoulé, et donner une place à ce qui est déjà toujours parmi nous. C’est ce que fait Rebetez quand elle propose d’enquêter sur la tradition des médiums et des guérisseurs par les moyens de la photographie. La perspective ouverte est celle d’accepter une pluralité de présents coexistants, plutôt qu’un espace narratif unique et exclusif.

Cette pluralité en œuvre se trouve aussi dans les illustrations d’Alina Günter, basées sur des objets parfaitement connus. Anachronique dans le flot de la consommation d’image, le caractère analogique surprend. Les dessins épurés et simplifiés de l’illustratrice semblent gros de sens, comme des œufs sur le point d’éclore,“Ich versuche in meiner Arbeit Bilder zu finden, die neben ihrer vordergründigen Funktion als Illustration eines Textes oder Produktes noch eine zusätzliche Dimension aufweisen. Bilder, die eine mehrdeutige Narration evozieren, merkwürdig sind und trotzdem eine Einfachheit behalten. Ich suche stets das Spannungsfeld zwischen der Reduktion in der Zeichnung und der Komplexität des Inhaltes.” Anina Arter comme une tempête sémantique sur le point de se déchaîner.

Les images de Quentin Lacombe semblent en totale opposition à cette dernière conception. Si elles nous invitent à imaginer le fin fond de l’espace, elles nous ramènent, en fin de compte, à recomposer un monde autre à partir d’indices de ce que nous connaissons. Les architectures et textures créées par le photographe, à la limite de ce qu’on peut reconnaître, nous font glisser dans les échelles, nous invitant à mettre en œuvre nos capacités à imaginer ce qui n’est pas encore. Dans un registre semblable, les tapisseries d’Anina Arter, souvent basées sur des motifs végétaux où le dessin scientifique se mélange avec l’univers de Max et les maximonstres,Livre pour enfant de Maurice Sendak font également monde. De fait, littéralement, les imprimés d’Arter emballent l’habitant – et lui donne une espèce de don d’ubiquité, une invitation à s’imaginer ici et ailleurs en même temps.

On se trouverait par contre bien embarrassé si l’on devait décrire la fonction du groupe d’objets de Noemi Niederhauser. Oui, la fonction décorative s’applique, mais n’est pas suffisante. Le titre abscons T’as fatigué la salade pourrait bien être tiré d’un dialogue entre les objets de la designer, la « salade » n’étant autre que celle qui se trouve à la place des pensées, dans nos cerveaux surstimulés. Ainsi le groupe d’objets propose«Résultat d’une attention prolongée aux traces et détails qui émergent tout au long du processus de création, « T’as fatigué la salade » reste en état de prototype permanent revendiqué. Entremêlant travail de la main et procédés industriels, chaque objet est une anomalie, émancipé d’une redondance statique. « T’as fatigué la salade? » est dédié aux oscillations rythmiques de la lumière, du soleil et de l’obscurité, de l’activité et du repos, du travail et de la récupération. Non identiques, non neutralisés ; des temps longs et incertains s’inscrivent dans l’apparence finale de ce projet. Se réveiller face à une platitude et uniformisation rampante serait-ce finalement dormir? » Noémi Niederhauser une forme de désinvestissement du soi, et suggère d’habiter ces moments où s’ébauchent des prototypes de « soi » inachevés. D’autres objets offrent à l’inverse de rappeler discrètement au corps son existence dans le quotidien. Les bijoux littéralement intimes de Joanne Guiraud ne s’adressent pas à la représentation du corps desles autres, mais à lui-même. Pincements, grattements, caresses, picotements sont les effets de ces bijoux qui se cachent volontiers sous les vêtements. La sensualité devient ainsi consciente, exploratrice, rappelant que la jouissance ne se trouve probablement pas dans le confort. Ainsi, le bien-être se trouve déplacé dans un investissement des sensations, plutôt que dans leur aplanissement.

C’est aussi l’expérience que nous propose Gross and Escandõn avec leur projet Aya. En partant de la biographie, basée sur des archives, d’un photographe européen disparu dans l’amazone péruvien, une pratique documentaire établie, les deux photographes vont littéralement s’enfoncer dans leur enquête, s’immergeant, devenant part du lieu investi, prolongeant l’immersion au-delà de la limite de la conscience. Leurs images ne sont plus des images du lieu, mais des lieux elles-mêmes, des lieux en déplacement, des lieux en transe. Dans une démarche différente mais pas très éloignée, Julia Seemann explore les sous-cultures comme lieux de la transe. La dernière collection traverse l’univers de la rave et de la trance. De sa collection émane une sensation anhistorique, résistante au contemporain, presque fantomatique. A l’inverse du « classique intemporel », ses créations sont marquées par l’histoire, situées dans le temps. Ce faisant elles refusent l’illusion du nouveau en soi et revendiquent un retour au passé. Ce qui revient, c’est un esprit, délicat et puissant à la fois. Il disparaît toujours très vite, mais revient toujours. Un esprit en lutte, un esprit en fête, un esprit collectif que Seeman remodélise dans chacune de ses collections. Quant au modèle développé par Rafael Kouto, qui ne s’inspire pas seulement du modèle « africain » mais crée une réelle machine à imaginer. Son travail me rappelle les Impressions d’Afrique de Raymond Roussel. Dans ce livre, Roussel fait des descriptions infiniment détaillées de scènes de fêtes et de rituels. Cependant, celles-ci sont complètement fictives. Roussel branche le lecteur sur un imaginaire collectif disponible, « dans l’air du temps »,Aussi problématique soit-il aujourd'hui. La fascination pour l'Afrique dont se sert Roussel à l'époque n'est aujourd’hui pas acceptable en ce qu'elle réduit une partie du monde à une projection. Dans ce sens, le projet de Kouto est tout à fait juste, faisant fonctionner la machine à projection quasiment à rebours. pour le mettre en mouvement, l’inviter à poursuivre son travail d’imagination collective et entraîner cette capacité à imaginer un autre monde possible. Cependant, avec Kouto, la mise en œuvre se tisse dans la matière et toute la chaîne de production, comme dans la collaboration“[…], using natural fibers is no walk in the park and sustainable production methods like dyeing with OekoTex100 Standard pose new challenges. Colours may fade over time, as colour fastness is lower than with other, less sustainable processes. Our natural materials develop a patina with time and wear, just like a good pair of jeans do. In the past, this has surprised some of our customers, and led them to return bags for aesthetic reasons: namely that their bag’s appearance changed after some time in use. These used and returned bags were the material and the starting point of our collaboration with Rafael Kouto.” avec Qwstion, entraînant tout un monde avec lui.

Après ce cheminement parmi un ensemble hétérogène de pratiques situées dans des réalités souvent distantes, j’en viens au travail de common-interest et à leur exposition pour la biennale des arts graphique de Sharjah. Leur travail de composition me rappelle d’une certaine manière le film Sur les sentiers de l’utopie.Un film d'Isabelle Grémaux et John Jordan Dans ce film, les réalisateurs rendent visite à une série d’expériences utopiques en cours. Si les expériences en soi sont intrigantes, ce qui est le plus frappant, en fin de compte, est de réaliser qu’elles se passent toutes en même temps. C’est également le cas des réalités rassemblées par common interest, composant un ensemble de réalités en devenir, entre documentaire et ingénierie.

Cette simultanéité des pratiques retient toute notre attention. Ce rapide cheminement, sans aucune prétention d’exhaustivité, indique une multitude de mise en œuvre du monde en cours. Chaque designer est à l’œuvre et développe, par son travail, un modèle de monde à venir. L’argument que je veux faire valoir, c’est qu’il n’y a pas de futur unique, qu’il ne peut y avoir un modèle pour tous. Au contraire, nous avons comme responsabilité commune d’essayer de notre mieux et de toutes parts : créer et partager des modèles et des bouts de réalités, comme le font ces designers. Leurs travaux ne sont pas isolés, mais liés, articulés dans des chaînes de production, ancrés par les fonctions qu’ils remplissent, modifient et transforment. Ces réalités sont connectées, mises bout à bout, sans chercher de clôture. Ces bouts et ces assemblages sont eux-mêmes pris dans des réseaux de présentation – et c’est aussi dans ce dernier rôle que les Swiss Design Awards prennent leur sens : comme exposition d’avenirs possibles. Bonne visite !