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Swiss Grand Award for Design 2019

Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog

Swiss Grand Award
for Design 2019

Outstanding designers honored: The Federal Office of Culture has selected Rosmarie Baltensweiler, Connie Hüsser and Thomi Wolfensberger as the winners of this year’s Swiss Grand Award for Design.
© Marc Asekhame/BAK

Texts by ANNA NIEDERHÄUSER, CORINNE GISEL and MIRJAM FISCHER

May 27, 2019
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Connie Hüsser
Connie Hüsser
Connie Hüsser
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Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
The Beauty of Insignificance
Die Schönheit des Unscheinbaren
La beauté du quelconque
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Connie Hüsser has contributed substantially to the history of Swiss design even though her work cannot be assigned to any conventional design discipline. For over 20 years, she has been creating unique scenarios and strikingly beautiful three-dimensional collages, all daringly unabashed assemblages which are nonetheless of great clarity and cogency. With her unerring ability to identify trends, she anticipates what will later become the zeitgeist.

Jörg Boner, President of the Federal Design Commission, describes her like with the following words: “What Connie Hüsser does and is cannot be learned. She is what she is thanks to her personality, her single-minded search for exceptional objects and combinations, her presence, and her discriminating eye.”

Connie Hüsser hat die Schweizer Designgeschichte mitgeprägt, und dies, obwohl ihr Schaffen keiner klassischen Designdisziplin zuzuordnen ist. Seit über 20 Jahren gestaltet sie einzigartige Szenerien und aussergewöhnliche räumliche Collagen, die in ihrer Klarheit bestechend schön und trotz mutiger Kombinationen stimmig sind. Sie nimmt dank ihres untrüglichen Gespürs für Trends vorweg, was später als Zeitgeist bezeichnet wird.

Jörg Boner, Präsident der Eidgenössischen Designkommission, beschreibt sie mit folgenden Worten: «Was Connie Hüsser kann und ist, das kann man nicht lernen. Ihre Persönlichkeit, ihre immerwährende Suche nach aussergewöhnlichen Objekten und Kombinationen, ihre Präsenz und ihr sicheres Auge machen sie zu dem, was sie ist.»

Connie Hüsser a marqué l’histoire suisse du design bien que son travail ne relève d’aucune branche traditionnelle de ce champ d’activité. Les mises en scène singulières et les collages surprenants qu’elle réalise depuis plus de vingt ans sont d’une évidence éblouissante et restent parfaitement cohérents malgré des associations téméraires. Elle est aussi dotée d’un flair infaillible pour les nouvelles tendances qui lui permet d’anticiper ce qu’on reconnaîtra ensuite comme l’esprit du temps.

Le président de la Commission fédérale du design, Jörg Boner, décrit la styliste dans les mots suivantes :
« Ce qu’est et ce que fait Connie Hüsser ne s’apprend pas. Sa personnalité, sa recherche incessante d’objets sortant de l’ordinaire, sa présence et son coup d’œil font d’elle ce qu’elle est. »

“What Connie Hüsser does and is cannot be learned. She is what she is thanks to her personality, her single-minded search for exceptional objects and combinations, her presence, and her discriminating eye.”

«Was Connie Hüsser kann und ist, das kann man nicht lernen. Ihre Persönlichkeit, ihre immerwährende Suche nach aussergewöhnlichen Objekten und Kombinationen, ihre Präsenz und ihr sicheres Auge machen sie zu dem, was sie ist.»

« Ce qu’est et ce que fait Connie Hüsser ne s’apprend pas. Sa personnalité, sa recherche incessante d’objets sortant de l’ordinaire, sa présence et son coup d’œil font d’elle ce qu’elle est. »

Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
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Trained as a visual merchandiser, she has taught herself what it takes to be an interior stylist, exhibition maker, design expert, and mediator. Driven by curiosity, this indefatigable explorer ferrets out special objects at trade fairs, in glossy magazines, on the Internet, and also in her immediate surroundings. Over the past decades she has amassed a dazzling archive of materials, colors, and objects which has become a repository of sources and inspiration for her many projects and commissions.

Design companies for which she serves as consultant, reap the benefits of that archive as do her own creations for showrooms, clinics, and hotels. In 2018, she mounted her first exhibition, labeled “Object with Love,” for which she selected works made by various designers and put together a collage of objects with painstaking care. A large table was arrayed with handicraft alongside the latest designs, mostly one-offs or products produced in a very limited edition.

To promote her “Objects with Love,” Hüsser exploits larger platforms like the Vitra stand at the Salone del Mobile, the design trade fair in Milan. There she combined Vitra’s iconic furniture with works by upcoming designers. Connecting young designers with manufacturers or companies is another of her passions. She brings the right people together thanks to her extensive international design contacts.

One of Hüsser’s most radical and sustainable occupations is the styling for Vitra’s now legendary catalogs Select, Arrange. Companies are still trying to imitate the unique atmosphere of their pictures, but without much success!

Dieter Van Den Storm, Creative Director of the Biennale Interieur in Kortrijk (BE), describes his collaboration with Hüsser as follows: “Beside Connie’s generous character, she taught me to see the world differently. Through her eyes objects become magical, colors are brighter and materials more tangible. Details are more than just details. Suddenly the world becomes an object of love.”

Die gelernte Dekorationsgestalterin hat sich autodidaktisch zur Interiorstylistin, Ausstellungsmacherin, Designexpertin und -vermittlerin entwickelt.
Getrieben von der Neugier und der Lust am Entdecken, sucht sie auf Interior- und Designmessen, in Hochglanzmagazinen, dem Internet, aber auch in ihrer unmittelbaren Umgebung unermüdlich nach besonderen Objekten. In ihrem Atelier hat sie über die letzten Jahrzehnte ein umfassendes Archiv an Materialien, Farben und Objekten geschaffen, aus dem sie für ihre verschiedenen Projekte und Aufträge schöpfen kann.

Die Designfirmen, für die sie als Beraterin tätig ist, profitieren von diesem Archiv, aber auch ihre Arbeit, wenn sie Showrooms, Kliniken und Hotels ausstattet oder Messestände gestaltet. 2018 lancierte Connie Hüsser ihre erste eigene Ausstellung unter dem Label «Object with Love».
In einem sorgsamen Prozess wählte sie Werke von verschiedenen Autorinnen und Autoren aus und stellt eine Collage von Objekten zusammen: Auf einem grossen Tisch liegt Handwerkskunst neben aktuellen Designentwürfen, meist Einzelstücke oder Produkte in Kleinstauflagen.

Für ihre «Objects with Love» und deren Förderung nutzt sie aber auch grössere Plattformen, wie den Auftritt von Vitra an der Designmesse Salone del Mobile in Mailand. Dort kombiniert sie die Ikonenmöbel des Möbelherstellers mit den Werken von Jungdesignern. Die Vermittlung von jungen Designschaffenden an Produzenten oder Firmen gehört ebenfalls zu ihren Leidenschaften. Dank ihrer guten Kontakte in der internationalen Designszene bringt sie die richtigen Menschen zusammen.

Eine der radikalsten und nachhaltigsten Arbeiten von Connie Hüsser ist sicher das Styling für die legendären Kataloge Select, arrange, ebenfalls für Vitra. Noch heute versuchen verschiedene Firmen, die einzigartige Atmosphäre dieser Bilder zu imitieren, jedoch nicht annähernd so erfolgreich!

Dieter Van Den Storm, Creative Director der Biennale Interieur in Kortrijk (BE), beschreibt die Zusammenarbeit mit ihr mit folgenden Worten: «Connie ist nicht nur ein sehr grosszügiger Mensch, sie hat mich auch gelehrt, die Welt mit anderen Augen zu sehen. Durch ihre Augen werden Objekte magisch, Farben intensiver und Materialien fassbarer. Details sind mehr als nur Details. Die Welt wird plötzlich zu einem Objekt der Liebe.»

Décoratrice de formation, elle s’est développée de manière autodidacte pour devenir styliste d’intérieur, créatrice d’exposition, experte du design et médiatrice.

Poussée par sa curiosité et son appétit de découverte, elle cherche sans cesse des objets singuliers, que ce soit dans les salons de la décoration ou du design, dans les magazines de luxe, sur internet, mais aussi dans son environnement immédiat. Au cours de ces décennies, elle a rassemblé dans son atelier une vaste collection de matériaux, de couleurs et d’objets où elle peut puiser pour réaliser ses différents projets et ses mandats.

Ce fonds profite autant aux sociétés de design qu’elle conseille qu’à son propre travail lorsqu’elle aménage des showrooms, des cliniques ou des hôtels ou quand elle organise des expositions. En 2018, Connie Hüsser a pour la première fois mis sur pied sa propre exposition sous le label « Object with Love ». Elle a sélectionné avec grand soin les travaux de différentes créatrices et créateurs et composé un collage d’objets sur une grande table où le savoir-faire artisanal côtoie des projets de design actuels, en général des pièces uniques ou issues de séries extrêmement limitées.

Elle recourt également à des plateformes plus importantes pour présenter et promouvoir ses « Objects with Love », par exemple la présence de Vitra au Salon du Meuble de Milan. Là, elle a conjugué les pièces iconiques du fabricant de meubles avec les travaux de jeunes designers. La promotion des jeunes créateurs auprès des producteurs ou des entreprises constitue une autre de ses passions, ses relations sur la scène internationale du design lui permettant de mettre en contact les bonnes personnes.

Une des créations les plus radicales et les plus marquantes de Connie Hüsser restera certainement le design, pour Vitra également, du catalogue légendaire « Select, arrange ». Aujourd’hui encore, différentes entreprises essaient d’imiter l’atmosphère si singulière de ces images. Mais certainement pas avec une telle réussite!

Le directeur artistique de la Biennale Interieur de Courtrai en Belgique, Dieter Van Den Storm, décrit en ces termes sa collaboration avec la styliste:
« À côté de sa générosité, elle m’a appris à voir le monde différemment. Sous son regard, les objets sont magiques, les couleurs rayonnent davantage et les matériaux deviennent plus tangibles. Les détails sont plus que des détails. Et soudain, le monde devient un objet d’amour. »

“Beside Connie’s generous character, she taught me to see the world differently. Through her eyes objects become magical, colors are brighter and materials more tangible. Details are more than just details. Suddenly the world becomes an object of love.”

«Connie ist nicht nur ein sehr grosszügiger Mensch, sie hat mich auch gelehrt, die Welt mit anderen Augen zu sehen. Durch ihre Augen werden Objekte magisch, Farben intensiver und Materialien fassbarer. Details sind mehr als nur Details. Die Welt wird plötzlich zu einem Objekt der Liebe.»

« À côté de sa générosité, elle m’a appris à voir le monde différemment. Sous son regard, les objets sont magiques, les couleurs rayonnent davantage et les matériaux deviennent plus tangibles. Les détails sont plus que des détails. Et soudain, le monde devient un objet d’amour. »

Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
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Connie Hüsser consistently enjoys success not least because of her strong, affirmative personality, her intuitive feel for the unusual, and above all her unerring eye. As she says herself: “Noticing accidental things, supposedly insignificant things, and recognizing their strength is probably my greatest talent.”

Connie Hüssers konstanter Erfolg ist so auch auf ihre starke, lebensbejahende Persönlichkeit, ihr Gespür für das Ungewöhnliche, aber vor allem auf ihr «gutes Auge» zurückzuführen. Sie selbst sagt dazu: «Zufälliges, vermeintlich Unscheinbares zu sehen und seine Kraft zu erkennen, das ist wohl mein grösstes Talent.»

Le succès persistant de Connie Hüsser repose sur sa forte personnalité, son goût de la vie, son sens de l’insolite, mais il vient surtout de son coup d’œil. Elle-même l’exprime ainsi : « Mon principal talent est de reconnaître la force que recèle une chose apparemment quelconque rencontrée par hasard. »

Rosmarie Baltensweiler
Rosmarie Baltensweiler
Rosmarie Baltensweiler
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Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
Designing Lamps: A Personal Creation Goes Global
Die Leuchte zwischen Familiensache und Weltprodukt
Le luminaire entre affaire de famille et produit mondial
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Unable to find a suitable lamp for their apartment, Rosmarie Baltensweiler and her husband Rico simply made one themselves in 1951. With its black-and-white shade, heavy metal base, slender chrome rods, and six axes of movement, they created a floor lamp that could be turned in all directions and adjusted to various contexts and uses: one day to flood the ceiling, another to read by.

The one-off soon grew into a limited series produced for friends, followed by an order from the furniture company Wohnbedarf, a write-up in the journal Bauen + Wohnen, and in 1954, a picture on the cover of the sales catalog of the Swiss Werkbund. It did not take long for the lamp—now officially known as “Type 600” — to attract the attention of the international interior design company Knoll and promptly became part of their product range. In 1956, Le Corbusier placed a Type 600 in his model apartment and a year later, Munich’s design museum Die Neue Sammlung acquired the lamp for its permanent collection. The family’s personal design had gone global.

Type 600’s dazzling career led to the founding, 60 years ago, of the Baltensweiler family business. The lamps they designed benefited from the fertile blend of Rosmarie’s experience as an interior architect and Rico’s expertise as an electrical engineer. Her eye for space and form complemented his fascination with technology. Together they built an internationally successful business, while simultaneously raising four children. Their chalet in Ebikon, not far from Lucerne, was studio, workshop, and living quarters at once. When Rico Baltensweiler died unexpectedly in 1987, the couple’s son Gabriel and daughter Karin took over important aspects of the family operations. Starting in 2013, Rosmarie Baltensweiler gradually retired from the business. Now, in 2019, the company produces and distributes 16 different series, among them a new edition of Type 600.

Design and production have always been close neighbors in this small enterprise. Speaking about the form of their lamps, Rosmarie Baltensweiler explains: “Our designs have always been guided by the desire to simplify.” However, this was not just an aesthetic ideal. “It also depended on technical potential, on what we were actually able to produce.”

Ihre erste Leuchte gestaltete Rosmarie Baltensweiler zusammen mit ihrem Ehemann Rico im Jahr 1951. Denn es fehlte ein passendes Exemplar für die eigene Wohnung. Mit ihrem schwarz-weissen Kopf, dem schweren Metallfuss, den schlanken Chromstangen und sechs Bewegungsachsen liess sich die selbstkonstruierte Stehleuchte in alle Richtungen recken und strecken und so an unterschiedliche Umgebungen und Verwendungen anpassen. Heute Deckenfluter, morgen Leselampe.

Aus dem Einzelstück wurde bald eine Kleinserie für Freunde. Es folgten eine Bestellung vom Möbelhaus Wohnbedarf, eine Erwähnung in der Zeitschrift Bauen + Wohnen und 1954 eine Abbildung auf dem Titelblatt des Warenkatalogs des Schweizerischen Werkbunds. Daraufhin wurde das internationale Einrichtungsgeschäft Knoll auf die Leuchte – die inzwischen den Namen «Type 600» bekommen hatte – aufmerksam und nahm diese in ihr Sortiment auf. 1956 bestückte Le Corbusier eine Musterwohnung mit einer Type 600, und ein Jahr später wurde sie in die Sammlung des Münchner Designmuseums Die Neue Sammlung aufgenommen. Man könnte also auch sagen: gestern Familiensache, heute Weltprodukt.

Die steile Karriere der Type 600 begründete das mittlerweile über 60 Jahre alte Familienunternehmen Baltensweiler. In dem Design von Leuchten vereinte sich Rosmaries Erfahrung als Innenarchitektin mit Ricos Wissen als Elektroingenieur. Ihr Gefühl für Raum und Form vermischte sich mit seiner Faszination für Technologie. Zusammen bauten sie ein international erfolgreiches Kleinunternehmen auf und zogen gleichzeitig vier Kinder gross. Ihr Chalet im luzernischen Ebikon war Atelier, Produktionsstätte und Zuhause. Als Rico Baltensweiler 1987 unerwartet verstarb, übernahmen Sohn Gabriel und Tochter Karin wichtige Aufgaben in dem Familienbetrieb. Rosmarie Baltensweiler zog sich ab 2013 langsam zurück. Heute, im Jahr 2019, produziert und vertreibt die Firma Baltensweiler sechzehn verschiedene Leuchtenfamilien. Darunter auch eine Neuauflage der Type 600.

In dem kleinen Unternehmen lagen und liegen Entwurf und Produktion stets nahe beieinander.

«Wir haben immer auf die Vereinfachung hingearbeitet», erklärt Rosmarie Baltensweiler die Formensprache ihrer Leuchten. Dies war jedoch nicht nur ein ästhetisches Ideal. «Es war auch abhängig davon, was uns technisch möglich ist, was wir überhaupt produzieren konnten.»

Rosmarie Baltensweiler a conçu son premier luminaire en 1951 avec son époux Rico parce qu’il leur manquait un modèle adéquat pour leur appartement. Avec sa tête noire et blanche, son lourd pied de métal, ses fines tiges chromées et ses six axes de déplacement, cette lampe sur pied peut être déployée et orientée dans toutes les directions, s’adaptant ainsi à des environnements et des usages très différents. Plafonnier aujourd’hui, elle sera demain lampe de lecture.

L’exemplaire unique qu’ils ont fabriqué eux-mêmes est cependant rapidement devenu le premier d’une petite série pour les amis. Elle a été suivie par une commande de la maison d’ameublement Wohnbedarf, une mention dans le magazine Bauen + Wohnen puis, en 1954, une place sur la couverture du Catalogue suisse de l’Équipement du Schweizerischen Werkbund. Baptisé entretemps Type 600, le luminaire attira alors l’attention de l’entreprise internationale d’aménagement d’intérieur Knoll, qui l’intégra dans son catalogue. En 1956, il se retrouva dans un appartement modèle de Le Corbusier et entra, un an plus tard, dans la collection de Die Neue Sammlung, le musée du design de Munich. Autrement dit : l’objet créé hier pour un usage privé est aujourd’hui un produit mondial.

Le succès de Type 600 a donné naissance à l’entreprise familiale Baltensweiler, qui a maintenant plus de soixante ans d’existence. Le design des luminaires réunissait alors l’expérience d’architecte d’intérieur de Rosmarie et les compétences d’ingénieur électricien de Rico, conjuguant le sens de l’espace et de la forme de la créatrice avec la fascination de son époux pour la technologie. Ils ont ainsi développé ensemble une petite entreprise de réputation internationale toute en élevant quatre enfants. Leur chalet d’Ebikon, dans le canton de Lucerne, était à la fois leur demeure, leur atelier et leur site de production. Après le décès inattendu de Rico Baltensweiler en 1987, les enfants du couple, Gabriel et Karin, ont pris en charge des tâches importantes dans l’entreprise familiale. Et, à partir de 2013, Rosmarie Baltensweiler a commencé à se retirer. Aujourd’hui, en 2019, l’entreprise Baltensweiler fabrique et commercialise seize familles différentes de luminaires. Dont une réédition de Type 600.

Aujourd’hui comme hier, la conception et la production vont de pair dans cette petite entreprise.

« Nous avons toujours cherché la simplification », dit Rosmarie Baltensweiler pour expliquer le formalisme de ses luminaires. Mais il ne s’agissait pas seulement d’un idéal esthétique. « Cela dépendait également des possibilités techniques, de ce qu’on pouvait vraiment produire. »

“Our designs have always been guided by the desire to simplify.” However, this was not just an aesthetic ideal. “It also depended on technical potential, on what we were actually able to produce.”

«Wir haben immer auf die Vereinfachung hingearbeitet», erklärt Rosmarie Baltensweiler die Formensprache ihrer Leuchten. Dies war jedoch nicht nur ein ästhetisches Ideal. «Es war auch abhängig davon, was uns technisch möglich ist, was wir überhaupt produzieren konnten.»

« Nous avons toujours cherché la simplification », dit Rosmarie Baltensweiler pour expliquer le formalisme de ses luminaires. Mais il ne s’agissait pas seulement d’un idéal esthétique. « Cela dépendait également des possibilités techniques, de ce qu’on pouvait vraiment produire. »

Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
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A reduction in form also had the advantage of reducing materials and streamlining production processes.

The worldwide political situation in the early 1970s proved to be one of the most important impulses for the small family business. The reports issued by the Club of Rome and the global oil crisis spotlighted questions of sustainability and efficient energy. In 1972, Rosmarie and Rico Baltensweiler responded by creating their Halo 250, for which they appropriated the automobile industry’s development of energy-efficient halogen for home use. The Manhattan series was similarly motivated: launched in 1984, it upgraded the status of fluorescent lighting from industrial to domestic. Another innovation, the fluorescent compact lamp, led to the design of the floor lamp Aladin in 1987. Driven by Rosmarie Baltensweiler’s pioneering work, the company successfully incorporated LED technology into their products in 2007.

Technology never intimidated Rosmarie Baltensweiler. In her designs, she always kept abreast of the latest technological advances while never losing sight of the highest priority: lighting.

Rosmarie Baltensweiler recalls: “We were fully aware of the disadvantages of fluorescent tubes. It’s a hazy light, it does not come from a particular source and it has no direction. But we are used to sunlight. That’s what we like. Not a foggy day.”

Eine Reduktion in der Form bedeutet eben auch eine Reduktion beim Material- und Herstellungsaufwand.

Einer der wichtigsten Impulse stellte für das kleine Familienunternehmen die globalpolitische Lage der frühen 1970er Jahre dar. Die Berichte des Club of Rome und die weltweite Ölkrise rückten Fragen der Nachhaltigkeit und Energieeffizienz in den Fokus. Genau darauf reagierten Rosmarie und Rico Baltensweiler 1972 mit der Entwicklung ihrer Leuchte Halo 250. Mit dieser brachten sie das für die Autoindustrie entwickelte, sparsamere Leuchtmittel Halogen in den Heimbedarf. Aus einem ähnlichen Anliegen heraus entstand 1984 die Leuchtenserie Manhattan, welche die im Wohn- und Bürobereich damals noch wenig verwendete Fluoreszenzlampe salonfähig machte. Eine weitere Neuerung, die Fluoreszenz-Kompaktlampe, führte 1987 zum Design der Stehleuchte Aladin. Angetrieben von Rosmarie Baltensweilers Pionierarbeit wagte das Unternehmen 2007 schliesslich erfolgreich den Schritt in die LED-Technologie.

Technik hat Rosmarie Baltensweiler nie abgeschreckt. In ihren Entwürfen hat sie sich stets neuen technischen Anforderungen gestellt und gleichzeitig das Licht selbst nicht aus den Augen verloren.

Rosmarie Baltensweiler erinnert sich: «Wir waren uns der Nachteile der Fluoreszenzröhre damals schon auch bewusst. Sie gibt ein nebliges Licht ab. Eines, das nicht aus einer Quelle kommt und keine Richtung hat. Doch wir sind das Sonnenlicht gewöhnt. Das ist das, was für uns behaglich ist. Nicht ein Nebeltag.»

Une réduction formelle entraîne également des économies de matériel et de fabrication.

La situation géopolitique globale des années 1970 a donné une des impulsions les plus importantes pour la petite entreprise familiale. Le rapport du Club de Rome et la crise pétrolière mondiale avaient attiré l’attention sur la durabilité et l’efficience énergétique. En réaction, Rosmarie et Rico Baltensweiler ont mis au point en 1972 leur lampe Halo 250, qui fit entrer dans les accessoires de maison les ampoules halogènes développées pour l’industrie automobile. Une préoccupation analogue a conduit en 1984 à la série de luminaires Manhattan, qui a ouvert les portes des appartements et des bureaux aux tubes néons alors peu répandus dans ces lieux. Une nouvelle innovation, l’ampoule fluorescente compacte, a conduit en 1987 à la création du luminaire sur pied Aladin. Puis, animée par l’esprit de pionner de Rosmarie Baltensweiler, l’entreprise a intégré avec succès la technologie LED en 2007.

Rosmarie Baltensweiler n’a jamais eu peur de la technique. Dans ses projets, elle s’est toujours confrontée aux nouvelles technologies sans jamais perdre des yeux la lumière elle-même.

Rosmarie Baltensweiler se souvient : « Nous étions déjà à l’époque bien conscients des inconvénients des tubes fluorescents Ils donnent une lumière nébuleuse, une lumière qui ne vient pas d’une source unique et n’a pas de direction. Alors que nous sommes habitués à la lumière du soleil. C’est ainsi qu’on se sent bien. Et non pas dans le brouillard. »

“We were fully aware of the disadvantages of fluorescent tubes. It’s a hazy light, it does not come from a particular source and it has no direction. But we are used to sunlight. That’s what we like. Not a foggy day.”

«Wir waren uns der Nachteile der Fluoreszenzröhre damals schon auch bewusst. Sie gibt ein nebliges Licht ab. Eines, das nicht aus einer Quelle kommt und keine Richtung hat. Doch wir sind das Sonnenlicht gewöhnt. Das ist das, was für uns behaglich ist. Nicht ein Nebeltag.»

« Nous étions déjà à l’époque bien conscients des inconvénients des tubes fluorescents Ils donnent une lumière nébuleuse, une lumière qui ne vient pas d’une source unique et n’a pas de direction. Alors que nous sommes habitués à la lumière du soleil. C’est ainsi qu’on se sent bien. Et non pas dans le brouillard. »

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A lamp is always part of your living space regardless of whether it is in your own apartment or elsewhere in the world.

Eine Leuchte ist immer Teil des menschlichen Lebensraums, egal ob in der eigenen Wohnung oder irgendwo sonst in der Welt.

Une lampe constitue toujours un élément de l’habitat humain, que ce soit dans ses propres murs ou n’importe où ailleurs dans le monde.

Thomi Wolfensberger
Thomi Wolfensberger
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Get Stoned
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Thomi Wolfensberger is a master in the field of lithography. A passion for his craft, unremittingly high standards, a love of experimentation, and an open mind have made him one of the most highly appreciated print partners in contemporary art for over 30 years, both at home and abroad. For a few years now he has also been issuing original prints and books at his own publishing house, Wolfsberg Verlag. In 2014, Thomi Wolfensberger was awarded the Peter Kneubühler Graphic Arts Prize. In 2019 he has now been awarded the Swiss Grand Award for Design for his artisanal expertise, his exceptional knowledge of materials, his mastery of color, and the innovative development and extension of planographic printing techniques.

The lithographic print shop, with printing machines named, for example, Emma Stone or Gertrude Stein, represents a slice of Swiss printing history.

Thomi Wolfensberger ist ein Meister auf dem Gebiet des Steindrucks. Seine Leidenschaft für das Handwerk und seine hohen Qualitätsansprüche, die Experimentierlust und Offenheit machen ihn seit mehr als 30 Jahren zu einem hochgeschätzten Druckpartner für zeitgenössische Kunstschaffende im In- und Ausland. Seit einigen Jahren erscheinen Originalgrafiken und Bücher im eigenen Verlag, dem Wolfsberg Verlag. 2014 wurde Thomi Wolfensberger mit dem Peter Kneubühler Graphikpreis ausgezeichnet. 2019 erhält er den Schweizer Grand Prix Design für seine handwerklichen Fähigkeiten, seine herausragenden Materialkenntnisse, sein Farbwissen, die innovative Entwicklung und Erweiterung des Flachdruckverfahrens.

Das Steindruckatelier, wo die Druckmaschinen Namen wie Emma Stone oder Gertrude Stein haben, steht für ein Stück Schweizer Druckgeschichte.

Thomi Wolfensberger est un maître de la lithographie. Sa passion pour son métier et ses exigences de qualité, son goût de l’expérimentation et son ouverture font de lui depuis plus de 30 ans un partenaire d’impression estimé par les artistes contemporains, aussi bien en Suisse qu’à l’étranger. Depuis plusieurs années, il publie également des lithographies et des ouvrages originaux dans sa propre maison d’édition, le Wolfsberg Verlag. L’imprimeur avait déjà été distingué en 2014 par le prix du graphisme de la Fondation Peter Kneubühler. En 2019, il reçoit le Grand prix suisse de design pour son savoir-faire, son excellente connaissance des matériaux, sa science des couleurs et pour avoir développé et élargi les possibilités de l’impression à plat.

Les presses de l’atelier de lithographie portent des noms tels qu’Emma Stone ou Gertrude Stein et cet endroit constitue un morceau de l’histoire de l’impression en Suisse.

The lithographic print shop, with printing machines named, for example, Emma Stone or Gertrude Stein, represents a slice of Swiss printing history.

Das Steindruckatelier, wo die Druckmaschinen Namen wie Emma Stone oder Gertrude Stein haben, steht für ein Stück Schweizer Druckgeschichte.

Les presses de l’atelier de lithographie portent des noms tels qu’Emma Stone ou Gertrude Stein et cet endroit constitue un morceau de l’histoire de l’impression en Suisse.

Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
© Marc Asekhame/BAK
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Since their founding in 1902, the graphic printers J.E. Wolfensberger AG in Zurich have devoted themselves to combining art with state-of-the-art printing. When Thomi Wolfensberger took over the lithography section of the family business in the late 1980s, the heyday of classical lithography had already come to an end. From the start, he found a means of investing the craft with renewed vibrancy through fruitful collaboration with art and artists. He brilliantly exploits and expands the potential of lithography to implement artistic visions. Time and again he has found new means of solving specific problems: technical developments to print oversized work, outdoors, or directly on walls, experiments in the fields of monotype printing and photography, in dealing with color, or the invention of an unprecedented procedure to make the lithograph of an animal. His collaborations with artists are based on subscribing to risk and mutual trust. The development of the lithographic press into a pure artists’ print workshop is indebted to long-term and repeated collaborations with such artists as Fischli/Weiss, Samuel Buri, Shirana Shahbazi, Huber/Huber, Zilla Leutenegger, Dominique Lämmli, Michael Günzburger, Dominik Stauch, Adrian Schiess, and such international artists as John Baldessari, Wade Guyton, Wolfgang Laib, and Douglas Gordon.

Despite or actually because of his great knowledge of materials and technical know-how, Thomi Wolfensberger welcomes challenges: “I’m gratified if he frowns,” says Michael Günzburger, who much appreciates candid, open dialogue. “We question each other as artist or printer, which is extremely productive, a mutual respect that means focusing on content. We influence each other.

Kunst und hochwertige Druckerzeugnisse zu verbinden, hat sich die Graphische Anstalt J.E. Wolfensberger AG in Zürich seit ihrer Gründung im Jahr 1902 zur Aufgabe gemacht. Als Thomi Wolfensberger Ende der 1980er Jahre die Steindruckabteilung im Familienbetrieb übernahm, war die Hochblüte der klassischen Lithografie jedoch zu Ende. Von Beginn an fand er in der Kunst und in fruchtbaren Künstlerkollaborationen einen Weg, das Handwerk lebendig zu halten. Für das Umsetzen von künstlerischen Visionen reizt er die Möglichkeiten des lithografischen Verfahrens aus und findet immer wieder ganz spezifische, neue Lösungen. Seien es technische Weiterentwicklungen, um in Übergrössen, en plein air oder direkt an die Wand zu drucken, seien es experimentelle Versuche in den Bereichen Monotypie, Fotografie, im Umgang mit der Farbe oder ein spezielles Verfahren, um den Abdruck eines Tieres lithografisch festzuhalten. Risikobereitschaft und gegenseitiges Vertrauen bilden die Grundlage jeder Zusammenarbeit. Lang währende und wiederkehrende Künstlerkollaborationen unter anderem mit Fischli/Weiss, Samuel Buri, Shirana Shahbazi, Huber/Huber, Zilla Leutenegger, Dominique Lämmli, Michael Günzburger, Dominik Stauch, Adrian Schiess, aber auch mit internationalen Künstlern wie John Baldessari, Wade Guyton, Wolfgang Laib, Douglas Gordon machten die Steindruckerei zu einem reinen Künstlerdruckatelier.

Trotz oder gerade wegen seiner grossen Materialkenntnisse und seines technischen Know-hows lässt sich Thomi Wolfensberger immer wieder gerne herausfordern: «Wenn er die Stirn runzelt, bin ich zufrieden», so Michael Günzburger, der den offenen Dialog überaus zu schätzen weiss. «Wir stellen uns in gegenseitigem Respekt als Künstler oder Drucker infrage, was extrem produktiv ist und inhaltlichem Arbeiten entspricht. Wir beeinflussen uns gegenseitig.»

Fondée en 1902, l’imprimerie graphique J.E. Wolfensberger SA s’était dès l’origine donné pour objectif de conjuguer art et produits imprimés de haute qualité. Lorsque Thomi Wolfensberger a repris le département lithographie de l’entreprise familiale à la fin des années 80, cette technique classique d’impression avait cependant déjà connu des jours meilleurs. Mais il a dès le début vu dans l’art et dans les collaborations fructueuses avec les artistes un moyen pour maintenir ce métier en vie.

Afin de concrétiser certaines visions artistiques, il est capable de repousser les limites du procédé lithographique et il trouve régulièrement de nouvelles solutions destinées à des cas particuliers. Il peut s’agir de techniques pour imprimer dans de très grands formats, en plein air ou directement contre une paroi, d’expérimentation dans les domaines du monotype, de la photographie ou dans le traitement de la couleur ou encore d’une procédure particulière pour saisir par la lithographie l’empreinte d’un animal. Le goût du risque et la confiance mutuelle constituent les bases de toute collaboration. Thomi Wolfensberger a travaillé de manière durable et répétée avec des artistes tels que Fischli/Weiss, Samuel Buri, Shirana Shahbazi, Huber/Huber, Zilla Leutenegger, Dominique Lämmli, Michael Günzburger, Dominik Stauch, Adrian Schiess ou, au niveau international, John Baldessari, Wade Guyton, Wolfgang Laib et Douglas Gordon. Et au fil du temps, son imprimerie est devenue un véritable atelier d’impression d’art.

Malgré, ou peut-être précisément en raison de sa connaissance approfondie des matériaux et de son savoir-faire, Thomi Wolfensberger est toujours prêt à accepter de nouveaux défis. « Je suis content quand je le vois froncer », dit Michael Günzburger qui apprécie leur dialogue ouvert. « Nous nous mettons mutuellement en question dans le plus grand respect, ce qui est extrêmement productif pour un travail de fond entre un imprimeur et un artiste. Nous nous influençons l’un l’autre ».

“I’m gratified if he frowns,” says Michael Günzburger, who much appreciates candid, open dialogue. “We question each other as artist or printer, which is extremely productive, a mutual respect that means focusing on content. We influence each other.

«Wenn er die Stirn runzelt, bin ich zufrieden», so Michael Günzburger, der den offenen Dialog überaus zu schätzen weiss. «Wir stellen uns in gegenseitigem Respekt als Künstler oder Drucker infrage, was extrem produktiv ist und inhaltlichem Arbeiten entspricht. Wir beeinflussen uns gegenseitig.»

« Je suis content quand je le vois froncer », dit Michael Günzburger qui apprécie leur dialogue ouvert. « Nous nous mettons mutuellement en question dans le plus grand respect, ce qui est extrêmement productif pour un travail de fond entre un imprimeur et un artiste. Nous nous influençons l’un l’autre ».

Swiss Grand Award for Design 2019 - © © Marc Asekhame/BAK, Swiss Design Awards Blog
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Two principles underpin his work: listening and taking time. Only by slowing down can you explore something in depth and arrive at surprising solutions. And there is a third principle: Wolfensberger’s passion for color. Artists who work with him must have a decided, elaborated attitude toward color, an attitude toward handling color that does not make do with conventional color systems. This principle has also earned him the moniker “Anti-Pantone.” It is important to him to question conventional assumptions about color and encourage a new awareness in conversation. So much so, that he has developed specific, personalized color charts with some of the artists. Thanks to his chromatic expertise, Maximage’s graphic designers David Keshavjee and Julien Tavelli invited him to conduct a very unusual color workshop at ECAL in Lausanne in 2017.

Since the fall of 2018, the Swiss National Science Foundation has been funding “Hands-on,” a research project at the Zurich University of the Arts, which focuses on the dialogue between the lithographer Thomi Wolfensberger and art practitioners in order to document manual skills and, at the same time, address questions from other fields of knowledge. In this way, the renowned photographer is making his knowledge accessible to the larger community of scholars and scientists.

This gives Wolfensberger an additional setting in which to be “a curious printer,” as he so often describes himself.

Für den Steindrucker sind Zuhören und sich Zeit nehmen zwei Grundbedingungen seiner Arbeit. Erst durch die Langsamkeit kann man sich auf etwas vertieft einlassen und ergeben sich überraschende Lösungen. Als dritter Pfeiler kommt Wolfensbergers Leidenschaft für die Farbe ins Spiel. Er fordert von seinem Gegenüber eine ganz dezidierte Haltung gegenüber der Farbe und dem Umgang mit ihr, eine Haltung, die sich nicht mit vorgegebenen konventionellen Farbsystemen zufriedengibt. Dies hat ihm auch schon den Beinamen «Anti-Pantone» eingebrockt. Ihm liegt viel daran, gängie Annahmen zum Thema Farbe infrage zu stellen und in Gesprächen ein neues Bewusstsein zu schaffen. Mit einigen Kunstschaffenden entwickelt er deshalb spezifische, personalisierte Farbfächer.

Seine Farbexpertise hat ihn 2017 an die ECAL in Lausanne gebracht, wo er von den beiden Grafikdesignern David Keshavjee und Julien Tavelli von Maximage zu einem ganz besonderen Farbworkshop eingeladen wurde.

Seit Herbst 2018 läuft das vom Schweizerischen Nationalfonds unterstützte Forschungsprojekt «Hands-on» an der Zürcher Hochschule der Künste, welches den Dialog zwischen dem Steindrucker Thomi Wolfensberger und den Kunstschaffenden ins Zentrum stellt, um handwerkliche Fähigkeiten zu dokumentieren und gleichzeitig Fragen aus anderen Wissenschaftsfeldern zu beantworten. Damit macht der renommierte Steindrucker seine fundierten Kenntnisse einer grösseren Wissensgemeinde zugänglich. Auch hier sieht er sich in der Rolle, die ihm am liebsten ist: Er sei einfach ein neugieriger Drucker, so Wolfensberger.

Deux conditions essentielles pour le travail de lithographe sont l’écoute et la patience. Parce que seule la lenteur permet de vraiment s’immerger et de laisser venir des solutions inattendues. Le troisième pilier de Thomi Wolfensberger est sa passion pour la couleur. Il exige de son interlocuteur qu’il sache clairement ce qu’il attend de la couleur et de son traitement et il ne se satisfait jamais des systèmes de couleurs standardisés conventionnels, ce qui lui a déjà valu le surnom d’Anti-Pantone. Il estime indispensable de remettre en question les conceptions traditionnelles de la couleur et de susciter une prise de conscience. C’est aussi pourquoi il a développé avec certains artistes des palettes spécifiques et personnalisées.

Ses compétences dans le domaine de la couleur l’ont conduit en 2017 à l’ECAL de Lausanne où le duo de Maximage constitué par les graphistes et designers David Keshavjee et Julien Tavelli l’a invité à participer à un séminaire très particulier sur ce thème. À la Haute École d’art de Zurich, un projet de recherche lancé à l’automne 2018 sous le nom « Hands-on » se concentre sur le dialogue entre Thomi Wolfensberger et les créateurs. Soutenu par le Fonds national suisse, il doit permettre de documenter le savoir-faire artisanal de l’imprimeur et de répondre à des interrogations émanant d’autres disciplines scientifiques. Le lithographe de renom peut ainsi partager ses connaissances avec une plus large communauté spécialisée.

Ce qui permet à Thomi Wolfensberger d’incarner à un autre niveau la définition qu’il aime donner de lui-même: un imprimeur curieux.

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